Il MAO presenta la nuova edizione di Evolving Soundscapes, il programma musicale e performativo a cura di Chiara Lee e freddie Murphy, che accompagna ed espande la mostra Haori. Gli abiti maschili del primo Novecento narrano il Giappone (12 aprile – 7 settembre 2025). Partendo da elementi che fanno riferimento a un immaginario comune, legato a una visione tradizionale e romantica del Giappone, il public program esplora una contemporaneità altra, seguendo un percorso originale alla scoperta delle sperimentazioni più eterogenee.

La rassegna prende il via l’11 aprile alle 18:30 in occasione dell’inaugurazione della mostra Haori con l’esibizione della percussionista giapponese Tsubasa Hori. La sua musica oscilla tra taiko tradizionale e musica sperimentale contemporanea.

Secondo appuntamento il 9 maggio alle ore 18:30 con MIZU, performer che costruisce paesaggi sonori espansivi attraverso il suo inconfondibile approccio al violoncello. Il suo stile compositivo stratiforme, che combina suoni registrati del proprio strumento con manipolazioni elettroniche e produzione sperimentale, esplora la propria identità di donna trans e la propria identità musicale.

Sul palco, il lavoro di MIZU prende nuova vita, interrogando e sfidando i confini tra concerto, teatro e arte performativa attraverso messe in scena elettrizzanti e catartiche.

Ultimo appuntamento 1 luglio sempre alle 18:30 con FUJI|||||||||||TA, sound artist di base in Giappone. Nella sua pratica si interfaccia con fenomeni naturali come aria e suoni minimali in risposta al suo interesse nel voler dar voce a rumori inesplorati, ispirandosi alla musica classica giapponese (gagaku).

La partecipazione è inclusa nel biglietto di ingresso alla mostra.

A 700 anni dalla morte di Marco Polo, le grandi celebrazioni di un eroe nazionale ci fanno dimenticare un tratto fondamentale e semplice di questo personaggio: il fatto che Marco Polo non è un eroe della scoperta tra Catai ed Europa ma un semplice mercante. Uno delle migliaia di mercanti che frequentavano le grandi vie della seta, così chiamate a partire dalla fine dell’800, in un momento in cui gli orientalismi creavano narrazioni e immagini esotiche che ancor oggi sono dure a morire.

Ma prima e dopo Marco Polo (e soprattutto prima) tantissime le figure eroiche (politiche e commerciali ma anche profondamente religiose) che scorrevano tra il grande Est e le coste del mediterraneo e dell’Europa.

Una figura mitica del 3° secolo avanti cristo Zhang Qian fu mandato dall’imperatore Wu a negoziare un trattato di pace con le popolazioni Yuezhi. Regno/impero che al massimo della sua estensione dalle steppe del Gansu in Cina arrivava fino all’India. Zhang Qian fu fatto prigioniero e rimase tale per dieci anni prima di ritornare in patria portando racconti meravigliosi dalla Sogdiana e i territori del centro asia: soprattutto i meravigliosi cavalli mitici in Cina da sempre! Oppure ricordiamoci di Ibn Battia che da Tangeri viaggia in mezz’Asia portando racconti favolosi che ancora popolano le notti arabe. Prima di loro Kumarajiva che, nativo di Kucha, ritorna nel Kashmir per studiare e rientrato poi al suo paese natale viene fatto prigioniero e arriva alla corte dell’imperatore a Xi’an, qui traduce sutra buddhisti importantissimi tra cui il sutra del loto de facto, “importando’ il buddhismo in Cina, sistema filosofico e religioso occidentale dal punto di vista delle geografie estremoorientali.

E per finire l’altro mitico italiano che esportò in Cina la prospettiva rinascimentale, Giuseppe Castiglione, pittore di corte, sinizzato e mandarino alla corte imperiale, parte di una delle famose missioni cattoliche di influenti gesuiti che girovagano in Asia a partire dal XV secolo.

Insomma, quanti di questi personaggi sono ancora nei nostri racconti e quanti sono parte di questi mondi scomposti tra Asia ed Europa? Ne trovate traccia al MAO, tra opere e percorsi che vi portano sì lontano ma che parlano di noi, un po’, e delle storie di tutti questi occhi curiosi che hanno visto meraviglie, innumerevoli meraviglie, oltre un milione di cose incredibili che ancora oggi nutrono esotismi, desideri e sguardi lontani.

Prosegue al Museo d’Arte Orientale fino al 1° settembre 2024 il riallestimento della mostra Tradu/izioni d’Eurasia, con cui il MAO celebra i 700 anni dalla morte di Marco Polo.

A dimostrazione che i format espositivi avviati dal celebre museo torinese si arricchiscono di novità e di ulteriori attività anche a distanza dal loro inizio naturale, ora si sono aggiunti numerosi prestiti prestigiosi dagli Uffizi, dalla Biblioteca Laurenziana di Firenze, dai Musei Civici di Bologna, dal Museo della Ceramica Duca di Martina di Napoli insieme alle opere site specific dell’artista franco-marocchina Yto Barrada.

A loro coronamento si inserisce anche un fitto programma di conferenze, eventi musicali, proiezioni e performance che propongono al pubblico occasioni di riflessione e nuove letture della complessa e affascinante storia che da secoli si dipana sulle vie della Seta.

Il centro è l’affascinante storia del viaggio dell’arte, della cultura, delle tradizioni, della lingua dall’Asia Orientale al bacino del Mediterraneo (e ritorno), una storia di innesti, contaminazioni e tradimenti raccontata attraverso una rinnovata e puntuale selezione di ceramiche, tessuti, metalli e manoscritti.

Si parte con il tema del blu, sottolineato dall’installazione dello studio berlinese Zeitguised per arrivare al tema dell’uva, passando per le opere site specific dell’artista franco-marocchina Yto Barrada, ospite d’onore del progetto espositivo fino al motivo delle squame e alla chiusura della mostra con l’installazione immersiva Shimmering Mirage (Black), 2018, di Anila Quayyum Agha e l’installazione luminosa MOSADEGH (2023), dell’artista iraniana Shadi Harouni.

Come già accaduto lo scorso ottobre, anche in occasione del riallestimento della mostra Buddha¹⁰ Reloaded Chiara Lee & freddie Murphy propongono una serie di performance musicali che animeranno il museo per tutta l’estate.
Fra tradizione, sperimentazione, globalizzazione ed echi di futuro, i suoni delle artiste invitate contribuiranno a tracciare il ritratto di un continente – quello asiatico – dalle identità molteplici e mutevoli.

Il programma completo

Martedì 20 giugno ore 19 | MIYA MASAOKA
Un approccio virtuosistico e innovativo al koto giapponese.
Miya Masaoka è compositrice, musicista e sound artist. Le sue opere spaziano tra opere New Noh, performance ibride tra acustica ed elettronica, sound art, cori, mappatura del movimento degli insetti, installazioni sonore, performance art e molto altro. Il suo lavoro è stato presentato alla Biennale di Venezia, al MoMA PS1, al Kunstmuseum di Bonn tra gli altri. Ha ricevuto commissioni ed ha collaborato con la BBC Scottish Symphony Orchestra, il Glasgow Choir e l’International Contemporary Ensemble.
Il suo lavoro esplora la percezione corporea della vibrazione, del movimento e del tempo, mettendo in primo piano complesse relazioni timbriche.
È professoressa associata e direttrice del MFA Sound Art Program presso la Columbia University.

Mercoledì 26 luglio ore 19 | ARUSHI JAIN
Elettronica contemporanea e classici raga indostani amalgamati in un’armonia perfetta.
Arushi Jain è cantante e produttrice, nonché ingegnere, con una visione non ortodossa e risolutamente DIY di una tradizione secolare. Le sue composizioni infatti si ispirano airaga classici indostani, esplorati però tramite una lente ed un’estetica contemporanee e molto attuali.
Jain è cresciuta a Delhi, dove è stata esposta alla musica classica indiana e alla musica tradizionale locale sin dalla giovane età. Successivamente si è trasferita in California per studiare informatica alla Stanford University, dove è stata introdotta ai suoni e alla sintesi generati dal computer presso il Center for Computer Research in Music and Acoustics (CCRMA).
La sua musica è una reinterpretazione unica di due mondi contrastanti. Gli antichiraga dell’India settentrionale vengono da lei re-immaginati e suonati con strumenti e tecnologie che ha appreso nella Bay Area.
Il suo ultimo album Under the Lilac Sky è stato pubblicato su Leaving Records nel luglio 2021 ed è stato nominato Global Album of the Month del Guardian, oltre ad aver ottenuto recensioni entusiastiche su Pitchfork, Bandcamp, Boiler Room, Ableton, Resident Advisor, FACT, Crack, DJMag e molti altri.
Recentemente è stata inclusa nella prestigiosa lista musicale di Forbes 30 under 30.

Martedì 22 agosto ore 19 | EVICSHEN
Sintetizzatori analogici e strumenti autocostruiti in una passeggiata funambolica tra controllo e caso che confonde i confini tra performer e pubblico.
Evicshen è il nome di battaglia della sound artist Victoria Shen. La musica di Shen si stacca dalle convenzioni musicali armoniche e ritmiche a favore di trame estreme e toni gestuali.
La pratica di Shen si basa sulla fisicità del suono e sulla sua relazione con il corpo umano tramite l’uso di sintetizzatori modulari analogici, dischi in vinile/resina e strumenti elettronici autocostruiti, come le Needle Nails, delle unghie in acrilico con puntine per giradischi incorporate che le consentono di riprodurre fino a 5 tracce di un disco contemporaneamente.
L’approccio DIY di Shen va oltre i soli strumenti, coinvolgendo anche le sue pubblicazioni musicali. Il suo LP di debutto,Hair Birth ha una copertina in rame che si trasforma in un altoparlante attraverso il quale è possibile riprodurre il disco. Ogni pezzo non solo supporto musicale riproducibile, ma anche oggetto d’arte unico.

Giovedì 7 settembre ore 19 | CROSSING BORDERS | SHIGERU ISHIHARA (DjScotch Egg/Scotch Rolex) E SHIN HYO JIN
Crossing Borders è una performance composta del produttore giapponese Scotch Rolex (alias DJ Scotch Egg/Scotch Rolex) insieme alla percussionista coreana Shin Hyo Jin, originariamente concepita per SOUND(ING) SYSTEMS 2021, una serie curata da Nik Nowak nell’ambito della mostra Schizo Sonics al Kesselhaus, KINDL – Centro per l’Arte Contemporanea di Berlino.
Il pezzo interroga le risonanze politiche e sonore dei confini fisici e virtuali. Scotch Rolex e Shin Hyo Jin mescolano musica elettronica sperimentale con tradizionali percussioni coreane cerimoniali, andando oltre i confini, in un rituale mistico e spirituale.
Il produttore giapponese Shigeru Ishihara è noto soprattutto come DJ Scotch Egg, il leggendario inventore della gameboy breakcore. Ishihara ha assemblato brani rivoluzionari per quasi due decenni e non è estraneo alla collaborazione; suona con Kiki Hitomi di King Midas Sound nel gruppo dub-pop WaqWaq Kingdom e con i pionieri dell’electro-shoegaze Seefeel. Di recente poi, con il nome Scotch Rolex, ha collaborato con la scena ugandese legata a Nyege Nyege.
Shin Hyojin si è formata in musica e arti tradizionali coreane da maestri come KIM Duk-Soo della Performing Arts Troupe Samul Nori Hanullim, KIM Dong-Won, membro del Silk Road Ensemble e LEE Yoon-Seok dei Goseong Okwangdae. Si è esibita con il gruppo Samulnori ChonDungSori e con l’Ensemble di spettacoli tradizionali coreani DoodulSori. Dal 2006 è co-fondatrice e membro di Ensemble~su, un progetto sperimentale e interdisciplinare volto a espandere le forme contemporanee di suono e movimento in collaborazione con artisti di diversi generi e background culturali.

E’ qui da pochi mesi, ma Davide Quadrio, classe 1970, il nuovo direttore del Museo d’Arte Orientale di Torino sta già traghettando le collezioni ospitate nello storico Palazzo Mazzonis verso il futuro. Anzi il suo sogno è di creare un ponte tra Torino e l’Asia.

Da dove nasce il suo interesse per l’Oriente?

E’ stato molto istintuale, ho iniziato a occuparmi di cultura materiale all’inizio degli anni ‘80 attraverso la lettura di riviste e fanzine internazionali, all’epoca gravitava tutto intorno alla Libreria Carù di Gallarate, un posto incredibile che vende libri, dischi e all’epoca editava il magazine Rolling Stone. Fui folgorato dalle foto di una collezione di gioielli tibetani pubblicata da Franco Maria Ricci così durante gli studi a Ca’ Foscari nel ’91 sono partito per Shangai. E tra un viaggio e l’altro ho vissuto per ben 27 anni in Cina.

Insomma era proprio scritto nel suo destino…

Mi sono laureato a Ca’ Foscari in Storia dell’arte e letteratura Cinese dopo un anno all’Accademia di Hangzhou. In quell’anno grazie a una carta da ricercatore dell’Ufficio Culturale di Lanzhou, città della Cina del nord ovest, tra mille difficoltà ho girato tutto il Tibet Orientale passando da un monastero all’altro, in autostop e quasi sempre a un’altezza di 4000 metri. Dopodiché laureato e rientrato a Shanghai, ho creato il primo centro d’arte indipendente a Shangai che si chiamava BizArt Art Center e che ha prodotto più di 900 mostre ed eventi in 12 anni di vita e che è entrato poi nel network del Prince Claus Fund, fondazione culturale della famiglia reale Olandese. Prima del Covid sono ritornato in Italia, pensavo che mi sarei trasferito nella mia casa nelle Marche per poi continuare a peregrinare in Asia, invece la mia candidatura al Mao a Torino è stata accettata ed è cambiato tutto.

Di fatto la sua direzione sta rivoluzionando il volto del MAO, qual è la sua visione?

In Europa si sa molto poco dell’Asia per cui ho pensato che nel museo ogni spazio debba essere usato per farlo diventare un progetto interpretativo, di costruzione ed espansivo che parlasse dell’Oriente in un contesto contemporaneo, non di arte contemporanea ma proprio di attualità.
Certo gli artisti viventi fanno parte di un medium che uso facilmente, essendo io contemporaneista, ma il contemporaneo entra anche attraverso scienziati come Stefano Mancuso, musicisti asiatici e non, che reinterpretano tradizioni millenarie. Ci saranno molte novità, per esempio cambieremo il concetto stesso di esposizione creando un dispositivo annuale tematico che inizia da una mostra e continua a cambiare con l’innesto di altre isole interpretative, come nel caso di Buddha10 che continuerà con un focus sulle vie della seta proto-islamiche dal Centro Asia al Mediterraneo, faremo in modo che tutti gli allestimenti siano il più possibile a impatto zero, apriremo una terrazza di 150 mq così come lavoreremo sul team, che voglio sia ispirato ai principi della diversity, e aprendo un corso di specializzazione sulle culture materiali asiatiche con UniTo e il dipartimento di lingue e culture orientali e africane. Anzi questo è già in essere!

Il MAO sta diventando un vero scrigno esperienziale, qual è il prossimo traguardo?

Nell’autunno 2023 realizzeremo un grande progetto con una delle collezioni proto-islamiche più belle al mondo che è italiana e non è mai stata esposta in una modalità interpretativa esperienziale come invece succederà a Torino.

La missione è inevitabile: proiettarsi in un contesto sempre più internazionale. Buddha10 andrà a Manchester al Centro di Arte Contemporanea Cinese e Il grande Vuoto, mostra che ho aperto il maggio scorso, a New Delhi e poi Bangalore.

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Mao Torino

Voglio raccontarvi una storia. Una storia che parte dalle radici, Ruutsu (nell’alfabeto giapponese). Perché scomodare l’alfabeto nipponico? Vi domanderete. Perchè il 24 Settembre siamo stati trasportati tra le vecchie case degli Shogun tra futon e yukata, abbiamo sorvolato la Foresta di Bambù di Arashiyama e riposato nel quartiere di Gion nelle case delle geishe; scaraventati indietro nel tempo di 1600 anni abbiamo vissuto il Santuario di Sumiyoshi Taishama e il tempio buddista di Shitennojistando , tutto stando comodamente seduti a Torino e conservando il gusto del nostro Occidente. Lo abbiamo fatto grazie al MAO di Torino, ma soprattutto grazie a due – è il caso di dirlo vista la soprannaturale bravura – Kitsune: Valentina Ciardelli e Anna Astesano. La prima, contrabbassista e compositrice, vincitrice di un Global Music Award e del BBC Music Magazine Rising Star 2020.

La seconda ha invece collaborato con orchestre di rilievo come la Royal Opera House di Covent Garden, la London Philharmonic Orchestra e il Maggio Musicale Fiorentino. Le due musiciste ci hanno fatto vivere la magia di un Giappone strettamente legato all’occidente. Quando dico ‘legato’ intendo proprio annodato, indivisibile, mischiato. La musica di Anna Astesano all’arpa e Valentina Ciardelli al contrabbasso nella cornice della stanza giapponese del MAO, ha saputo riempire di vibrazioni il cuore dei presenti.  Le “The Girls in the Magnesium Dress’’ (nome dato al duo come tributo a Frank Zappa e al suo brano omonimo, di cui Valentina è particolarmente fan) hanno portato alcuni pezzi del loro disco ‘Ruutsu’ all’ascolto dei presenti. Il progetto è esplorativo e quindi innovativo. Riadatta su strumenti differenti repertori classici come la Madame Butterfly di Puccini o brani del compositore Miaygi; sono presenti anche pezzi riarrangiati da Valentina dei poemi di Mallarmé musicati da Ravel, le Chanson di Saint-Saëns e c’è spazio anche per un brano che il grande Yoshihisa Hirano (l’Ennio Morricone giapponese) ha scritto per loro dopo averle viste e sentite su YouTube.

Tutto è pronto.

La sala è tanto silenziosa da far tuonare se il tocco di un capello cadendo toccasse il pavimento. L’impatto che si ha quando le Girls in the Magnesium Dress iniziano a suonare è straordinario, l’energia messa nel contrabbasso da Valentina viene gettata fuori dalle quattro corde in ogni singola nota, che sia essa suonata con l’archetto o pizzicata, che sia in una slide o una dinamica da pianissimo. La forza di Anna nel suonare l’arpa è elegante e non poteva esserci luogo migliore per godere di questa musica.

Il primo brano risale al periodo tra 800 e 900, è un primo contatto tra la cultura occidentale e giapponese che fonde la musica colta occidentale con strumenti tipici giapponesi, il titolo è Haru no Umi.

All’improvviso le tre armature vuote dei samurai nella teca sembrano muoversi, anche loro vengono ammaliati dalle note e sembrano girarsi a guardare le due musiciste.

Il secondo brano che ci fanno ascoltare è estremamente particolare, un’elegia, oscura e dark, ha elementi occidentali e giapponesi, un solo nome: Yoshihisa Hirano, compositore delle colonne sonore di ‘Death Note’, ‘Finale Fantasy’ e molti altri anime. In questo brano gli strumenti non sono stati trattati come nell’usanza naturale dell’idea classica dello strumento.

Le sonorità con note prima dissonanti e schizofreniche, si accavallano a momenti lievi e di note lunghe armoniose e in tonalità maggiori. Ogni strumento sembra cantare la sua personale canzone seppur arriva sempre un punto in cui le voci si intrecciano tra loro.

L’aria che con i suoi bicordi pizzicati dell’arpa e le sue sferzate di note che sembrano lo scorrere del dito sui tasti del pianoforte, dà luogo ad un dialogo dove gli strumenti sembrano dire cose diverse ma parlando dello stesso tema.

Il terzo brano è composto da Valentina. Un brano che porta la sua idea di Giappone.

Formato da tre movimenti è ispirato dal mandorlo in fiore di Van Gogh. Utilizzando tecniche estese e percussive (quest’ultime portate dal trottolio di dita sul corpo del contrabbasso a inizio brano). Il secondo movimento è ispirato a una poesia di Bashō Matsuo, mentre il terzo è dedicato ad un quadro, il culto dei mostri e della morte dei fantasmi in cui compaiono scheletri formati da una armata di defunti che tornano in vita per prendere il potere nella città.

Il quarto ed ultimo brano è Butterfly Eeffect. Ispirata ad un brano di Puccini. Il compositore italiano aveva estratto segmenti di brani popolari per inserirli nelle sue melodie. Queste cellule sono state ripensate da Valentina in una fantasia per contrabbasso e arpa.

Il bis? Il bis è stato doppio. Ma se vi racconto tutto poi voi non andate a vedere il prossimo concerto! Trovate il loro disco Ruutsu su Spotify. Ormai è diventato colonna sonora delle mie serate con incenso e Whiskey Nikka.