Sono tanti i grandi libri che hanno ispirato altrettanti grandi film: dai grandi classici come Ragione e sentimento a Nomadland; da Balla con i lupi (vincitore di ben sette premi Oscar) a Il ritratto di Dorian Gray, che vanta ben due versioni cinematografiche, una del 1945 e l’altra del 2009 con protagonisti Ben Barnes e Colin Firth.

E ancora: L’amore ai tempi del colera, il libro di Gabriel Garcia Marquez portato sui grandi schermi nel 2007 da Mike Newell con Javier Bardem e Giovanna Mezzogiorno; Odissea nello spazio; il mitico Blade runner di Ridley Scott, uscito nell’agosto del 1982 e ispirato al suo racconto Do Androids Dream of Electric Sheep; e i gialli di Agatha Christie – come Assassinio sul Nilo, portato sul grande schermo nel 2021 da Kenneth Branagh.

E ancora: Il silenzio degli innocenti, di Thomas Harris, dove Hannibal Lecter – lo psichiatra geniale ma pericoloso psicopatico e feroce assassino – ha il volto di Anthony Hopkins, affiancato da una superba Jodie Foster nella perfetta trasposizione cinematografica di Jonathan Demme che conquistò ben 5 Oscar.

E che dire di Fight club, il romanzo profetico e provocatorio di Chuck Palahniuk interpretato al cinema nel 1996 da Edward Norton, Brad Pitt ed Helena Bonham Carter? Potrei continuare ancora (tanto per dire uno dei più recenti: Le assaggiatrici, ispirato al libro di Rosella Postorino) e decidere se sia meglio un libro o la sua versione cinematografica non è facile. Ma io che amo Il gattopardo di Tomasi di Lampedusa, da quando ho visto per la prima volta il film (del 1963!) di Luchino Visconti, non sono più riuscito a rileggere il libro senza avere davanti a me il volto di Burt Lancaster – Don Fabrizio Corbera, Principe di Salina!

Andando in sala e ammirando per 3 ore e 35 minuti The Brutalist, ci si trova immersi in un mondo di cemento e sogni spezzati, un racconto epico che trasforma la freddezza dell’architettura brutalista in una narrazione emotiva e profondamente umana. Il film, con la sua fotografia austera e le sue inquadrature geometriche, ci costringe a riconsiderare il fascino di uno stile spesso bistrattato, rivelandone la bellezza cruda e la potenza espressiva.

La sala non è però l’unico posto in cui possiamo ritrovare quella bellezza cruda: passeggiando per le strade della nostra città, Torino, possiamo trovare testimonianze vivide di questa estetica solida e monolitica.

Esempio emblematico è la Torre BBPR in Piazza Statuto, un grattacielo che si staglia nel panorama urbano con la sua imponenza severa. Realizzata tra il 1959 e il 1961, questa struttura fonde il linguaggio del modernismo con la necessità di dialogare con la città storica, reinterpretando in chiave contemporanea i materiali tradizionali torinesi. Il mattone e il cemento armato convivono in un equilibrio tanto imponente quanto affascinante.

Ma se vogliamo vivere il brutalismo in una dimensione più cruda, basta varcare la soglia del DUPARC Contemporary Suites. Questo hotel, progettato nel 1969 e inaugurato nel 1971, è un manifesto dell’architettura brutalista torinese. I suoi interni giocano con le superfici ruvide e le forme massicce, accogliendo l’ospite in un’atmosfera sospesa tra il passato e il futuro. Qui il brutalismo non è solo una scelta stilistica, ma una vera e propria esperienza immersiva.

Oggi, mentre il mondo dell’architettura si interroga su nuove soluzioni sostenibili, il brutalismo si evolve in eco-brutalismo: una corrente che unisce la brutalità del cemento con la sensibilità e la freschezza delle piante. Immaginiamo edifici massicci ricoperti di verde, dove la rigidità strutturale si fonde con la natura circostante, dando vita a un’architettura che non è solo funzionale e resistente, ma anche ecologica.

Un esempio concreto di questa evoluzione a Torino è Casa Hollywood, la trasformazione dell’ex cinema Hollywood in un edificio residenziale che incarna l’estetica eco-brutalista. Il progetto ha mantenuto la struttura in cemento armato, arricchendola con ampie superfici vetrate e terrazze verdi, che rendono l’edificio un perfetto equilibrio tra la solidità brutalista e la leggerezza della vegetazione. Un segno di come il brutalismo oggi possa adattarsi alle nuove esigenze della città, senza perdere la propria identità.

Forse, dopo aver visto The Brutalist, guarderemo con occhi diversi questi edifici e ci accorgeremo che, dietro il cemento, pulsa un’anima.

Kinds of Kindness, il nono film di Lanthimos, segna un ritorno al passato. Nonostante la critica sia divisa tra chi afferma che nella pellicola si ritrovi la brutalità cinica e ironica del primo Lanthimos e chi la giudica come un mero esercizio di stile, non si può negare che Kinds of Kindness è un vento primaverile che fa qualcosa di coraggioso e insolito per il panorama hollywoodiano contemporaneo.

La gentilezza, il dolore fisico, l’amore, le mutilazioni, la pietà, la morte, il sesso, il sangue e l’istinto animalesco dell’essere umano si intrecciano con una dose massiccia di surreale e mitologico. Numerosi sono gli elementi che fanno riflettere in Kinds of Kindness e altrettanto numerosi sono gli interrogativi sorti tra gli spettatori. Tuttavia, ciò che ha suscitato più interesse è la figura di R.M.F: Chi è questa figura misteriosa che collega i tre episodi del film?

Tutte e tre le storie presentano la figura di R.M.F. nel titolo, ma ciò che viene mostrato è differente rispetto alla natura del soggetto, che appare soltanto per brevi istanti in ciascuno degli episodi. È chiaro che R.M.F. non sia il protagonista del film, ma diventa il motore e la connessione tra i vari episodi.

Nel primo episodio viene mostrato mentre riceve del denaro come retribuzione per diventare il bersaglio di particolari incidenti; alla fine, invece, è protagonista di una mistica risurrezione e lo si osserva intento a mangiare un panino. La caratterizzazione del personaggio è precisa, nonostante la sua presentazione sia minimale o pressoché assente: una camicia bianca, la pelle leggermente scura, mutismo e una folta barba.

Ma qual è il senso di questo personaggio all’interno del film? In realtà, in Kinds of Kindness non viene mai chiarito niente sulla sua figura: perché R.M.F. debba essere ucciso con un incidente automobilistico o perché venga resuscitato, esattamente come non si offre una spiegazione sui singoli episodi – un uomo che controlla dei sottoposti programmando la loro intera vita con “amore”, una moglie che in realtà è un’impostrice e che si sacrifica completamente per la sua metà e infine la dolce ricerca di una persona che possa resuscitare i morti – tutte queste situazioni vengono semplicemente date come verità assolute in una pellicola che non si pone troppe domande ma che ne crea molte nello spettatore.

L’unica cosa certa è che R.M.F. rappresenta il punto di contatto tra i tre episodi, quasi superando i limiti del racconto: viene prima ucciso e poi resuscitato all’interno del film. È una figura quasi ieratica per Lanthimos, che lo fa vivere oltre le narrazioni e gli permette di oltrepassare i confini dei singoli episodi, trascendendo lo spazio e il tempo.

A Milano il Museo del Cinema non c’è, però c’è il cinema Arlecchino, che sta a due passi dal Duomo.

È un vecchio cinema dall’aria un po’ fané, i pavimenti di marmo ornati da disegni geometrici, le poltrone comode, con le file distanziate il giusto, così da poter accavallare, volendo, le gambe. Al cinema Arlecchino ogni tanto organizzano rassegne dedicate a classici, l’ultima che mi è capitato di vedere era un omaggio a Marlon Brando per i suoi cento anni. E il bello di queste rassegne sta anche nel fatto che le pellicole sono proiettate in lingua originale. Così, finalmente, ho potuto rivedere in una sala cinematografica e dunque su grande schermo Ultimo tango a Parigi, e sentire la voce del grande divo americano che recitava un po’ in inglese e un po’ in francese, ma non solo: perché Brando recitava perfino con le sopracciglia, oltre che con il resto del corpo.

Un altro cinema milanese che proietta film in lingua originale è il Godard, quello della Fondazione Prada. Che naturalmente rispetto all’Arlecchino è più recente, e altrettanto comodo, grazie alle splendide poltrone rivestite in velluto verde.

Qualche tempo fa al Godard ho rivisto Il cielo sopra Berlino di Win Wenders, con la capitale tedesca ancora divisa dal Muro e la Potsdamerplatz ancora ridotta a landa desolata. E un Bruno Ganz come sempre straordinario nella parte dell’angelo che sceglie di tornare uomo, e si meraviglia per tutto ciò che noi umani diamo per scontato, tipo le gocce di pioggia. Così grazie al cinema ho ritrovato la Parigi degli anni Settanta e la Berlino degli anni Ottanta, e ho ripensato a un film che ha segnato la storia dell’odierno Torino Film Festival ai suoi albori, I ragazzi di Torino sognano Tokyo e vanno a Berlino. Oppure a Milano.

Presentato fuori concorso alla Mostra di Venezia, “Il Maestro Giardiniere” è più un percorso che un film, un viaggio di redenzione personale e riscoperta di sé.

La pellicola è essenzialmente uno slice of life, una rappresentazione naturalistica della vita reale del nostro protagonista, il maestro giardiniere Narvel Roth.

Un giardiniere esperto e colto, ordinato e maniacale, che ha saputo trovare la propria dimensione all’interno di un giardino privato di proprietà di una ricca vedova. Il rapporto tra i due, instaurato in anni di collaborazione, è a dir poco particolare, e pian piano il film ne sviscera gli oscuri dettagli.

Il sottile equilibrio che da tempo aveva portato stabilità nella vita del giardiniere e del suo capo viene compromesso con l’arrivo della nipote tossicodipendente della proprietaria della tenuta; a partire dall’arrivo della giovane, il film cambia completamente volto e, soprattutto, ritmo.

Le pellicole di Schrader, da “First Reformed” a “Mishima”, costruiscono microcosmi, percorsi di redenzione e luoghi circoscritti dove essa può avvenire. Il regista americano ha creato, in mezzo secolo di opere, il suo cinema governato da un registro di regole ossessivamente ripetute, concependo le sue opere come una sorta di rituale.

Dopo il problema della “creazione a rischio” e i terribili traumi dell’Iran sviscerati nei precedenti film, questa volta tocca al suprematismo bianco. Anni prima, in un’altra vita potremmo dire, Narvel ha fatto parte di un’organizzazione paramilitare neonazista. Violenza e odio erano i cardini della vita del giardiniere fino al sopraggiungere di una crisi morale che lo porta a denunciare i suoi “commilitoni”.

La natura è ancora una volta la via per riscoprirsi, un lento ma inesorabile percorso di cura da abbracciare e l’unico modo per sedare ed affrontare i demoni del proprio passato, tentando di plasmare la natura e dare una forma al caos del mondo.

Questa ritrovata disciplina e questo ordine si trasformano in una serie di ferree regole e un’accurata documentazione della sua vita trascritta giornalmente in un diario.

L’arrivo della nipote della vedova porterà il nostro protagonista ad affrontare, e non sedare, i demoni del passato e, finalmente, forse ad accettarli e superarli. Schrader si concentra sull’espiazione e la colpa, la solitudine e il disagio generazionale, da sempre i pilastri indiscussi delle sue pellicole.

Il maestro giardiniere, però, non si ferma qui; altrimenti, la pellicola non sarebbe piena come risulta mentre la si guarda. Il film si interroga costantemente sulla bellezza, sui tormenti dell’essere umano moderno e riesce a guardare all’attualità senza mai scadere nel banale. Il regista forza lo spettatore, ci forza, a interrogarci e a confrontarci con il nostro mondo, il mondo di tutti i giorni.

Schrader ci racconta sempre degli ultimi, dei dimenticati e del mondo che li e ci sovrasta. Odio e amore, violenza e leggerezza, realismo ed effimero si mescolano in un lungo percorso alla ricerca della forse non raggiungibile redenzione e della sempre più distante felicità.

«Ci sono giardini “formali”, “informali” e “selvaggi”. I primi sottomettono la natura a uno schema fisso inseguendo una perfetta simmetria; i secondi ridiscutono tale prospettiva integrandola romanticamente con i processi naturali; i terzi tendono invece ad azzerare ogni alterazione artificiale liberando definitivamente lo sguardo.»

Il maestro Scorsese ci racconta, in una monumentale pellicola, molto più di un racconto, una storia vera che, come spesso accade con le sue opere, riflette sull’America e sull’americano moderno.

“Killers of the Flowers Moon” è un monumento alla memoria, c’è un’era intera dentro il film nonostante passino solo 10 anni nel racconto cinematografico.

Scorsese riesce magistralmente a rappresentare il cambiamento di un mondo intero e l’avvento del mutamento nelle terre libere, a seguito dalla scoperta del petrolio.

Con il ritrovamento dell’oro nero giungono i treni, la proprietà privata e i recinti, le leggi e una intera nuova società, arriva l’uomo bianco, nel peggiore dei sensi, portando con sé la fine dell’epoca “selvaggia”.

Quella di Killers of the Flowers Moon è una storia di uomini bianchi che provano a prevaricare sugli indios, non gli uomini bianchi che hanno sterminato i nativi americani, siamo ad inizio novecento e lo sterminio è già avvenuto, ma quelli che finiscono quello stesso lavoro con altri metodi, con metodi più subdoli e nascosti.

La storia inizia con la scoperta del petrolio nelle terre degli Osage, una tribù di nativi americani, quelle stesse terre che gli erano state “donate” dai bianchi perché ritenute inutili e di scarso valore.

Gli Osage ora hanno automobili, case e mobili lussuosi, terreni, bestiame e servi bianchi pronti a tutto per guadagnare. Leonardo Di Caprio, uno dei protagonisti indiscussi, viene chiamato proprio in queste terre da suo zio, Robert De Niro, a lavorare per gli indiani.

Ci troviamo davanti a due generazioni: da un lato De Niro, che a ottant’anni offre una delle interpretazioni migliori della sua carriera, dall’altro Di Caprio, uno degli esempi più fulgidi della sua generazione.

Proprio su Di Caprio e sul suo personaggio vorrei soffermarmi, la sua interpretazione è una delle migliori di sempre. Ernest (Di Carpio) è un personaggio stratificato ed emozionalmente complesso, un buono trascinato dalla corrente degli eventi, forse troppo machiavellici per essere compresi dalla sua semplice mente. Una metafora della banalità del male più che calzante avvolge il nostro Di Caprio che mette in scena un personaggio mediocre e senza qualità, che non emerge mai e facendolo, ci mostra la straordinaria complessità dell’animo di uno scemo pedina degli eventi, uno come tanti, uno di noi.

Il lavoro sulla caratterizzazione dei personaggi è sublime e fa scivolare, senza accorgersene, le tre ore e più del film. Oltre i due colossi del cinema troviamo anche un’incredibile Lily Gladstone che interpreta una donna indigena di serietà e raffinatezza monumentali, forza quieta e inquieta che tutto osserva e, pur non cogliendo il quadro completo, comprende il dramma che sta avvenendo attorno a lei. Moglie di Ernest ed innamorata persa di lui, Lily ha un’anima gentile e dei sentimenti rappresentati mai in maniera scontata con la zuccherosa banalità tipica del romanticismo cinematografico Hollywoodiano.

Non è la prima volta che Scorsese, con la sua maestria, ci narra l’epopea di un’era, il passaggio dei decenni, il cambiamento della società e dei costumi, il tempo che distrugge imperi e crea nuovi poteri. In questa pellicola ci racconta il dominio “silenzioso” dei bianchi sugli indigeni e la storia del dominio degli uomini sulle donne, tanto passato quanto attuale.

Un film che sicuramente si prende il suo tempo, ogni morte conta, ogni morto è una tragedia e con l’accumularsi dei cadaveri, per le tre ore del film, cresce costantemente dentro di noi l’idea dell’eliminazione di una comunità, un singolo essere umano alla volta.

Una pellicola per non dimenticare e ricordare con rispetto il subdolo sterminio di una popolazione all’insegna dell’avidità.

La paura, l’austerità ma anche umorismo e leggerezza, l’ingenuità e il male in “Killers of the Flowers Moon” troviamo tutto quello che fa un film grande.

Presentato al Festival di Venezia nel 2021, arriva due anni dopo nelle sale delle nostre città.

Una stravagante rock-opera ambientata nell’antico Giappone che vede un bambino maledetto con uno straordinario talento per la danza e un suonatore di Biwa cieco come protagonisti indiscussi, un inno alla trasformazione come cardine per comprendere l’identità personale e di genere del mondo.

Inu-oh è una ucronia, Masaaki ci descrive una realtà interamente sua con però, uno scarto minimo fra cronaca e realtà, scarto dato dall’aura di magia e misticismo che circonda i due protagonisti e la loro storia.

Padre del teatro No, il cantastorie Inu-Oh è esistito veramente ma nonostante la fama raggiunta all’epoca non sono rimaste tracce delle sue opere. Il regista, così come la pellicola, parte perciò dalle vicende narrate nell’Heike Monogatari (un poema epico di autore sconosciuto basato su racconti oralmente tramandati) che narra la rivalità tra i clan Heike e Genji per il dominio totale sul Giappone.

Due secoli più tardi, dopo la sconfitta degli Heike nel XIV secolo, il giovane Tomona perde la vista a causa di un loro misterioso artefatto. Nonostante la cecità, Tomona diventa un incredibile bonzo suonatore di Biwa (tipico liuto giapponese).

Il percorso di Tomona culminerà solo nella conoscenza di Inu-oh, una creatura demoniaca dall’aspetto mostruoso. Trasformato da una maledizione in un essere deforme, Inu si rivela un ballerino straordinario destinato a ritrovare la sua forma umana diffondendo i racconti perduti e dimenticati degli Heike.

Il duo mette in scena, attraverso spettacoli rock che si rifanno ai Queen di We Will Rock you, agli Who ed ai Queen Been(gruppo queer giapponese) i racconti rimossi degli Heike, che hanno visto le loro narrazioni perdute e proibite.

Sfidando il potere e la censura di chi si rifugia nei dogmi per preservare lo status quo, le storie degli Heike diventano un’alternativa alla Storia Ufficiale del Giappone imposta dai vincitori, i Genji.

Inu-oh è un sogno visionario di libertà, senza remore e senza limiti; la pellicola scardina una visione univoca del mondo attraverso la trasformazione del nostro ballerino, ogni spettacolo cambia il suo aspetto via via rendendolo più umano.

Il performer diventa un simbolo di una ricerca d’identità di genere in un mondo che lo reprime; il suonatore similmente passa da pescatore a monaco fino a diventare chitarrista rock dal look più femminile.

Colori vivaci e musica, temi cupi e palette tenui, animazione classica e uno stile più pittorico si fondono in anacronismi senza sosta grazie all’aiuto di un altro grande sperimentatore dell’immagine, Taiyo Matsumoto.

Le forme longilinee, il dinamismo, i tratti incerti e le miriadi di sfumature sono le caratteristiche tipiche del mangaka del surrealismo Matsumoto, caratteristiche che possiamo ritrovare anche in un’altra collaborazione del 2014 di questi due grandi artisti: la serie animata Ping Pong.

I tamburi e i Biwa si trasformano in chitarre elettriche e batteria in questa lunga opera-rock; le canzoni di Inu-oh cavalcano i secoli abbattendo le barriere temporali e facendoci credere per i 98 minuti della pellicola che il rock sia effettivamente nato nel Giappone feudale.

Il film trova il suo culmine nel lungo finale che vede i due protagonisti prima allontanarsi ed infine ritrovarsi sempre sulle note che avevano in primo luogo creato il duo, un duo realmente esistito e magnificamente interpretato da Yuasa.

Ok. Non ci sono più le mezze stagioni, ma se c’è un elemento che ogni anno ci accompagna volenti o nolenti dall’inverno alla primavera è l’Academy Award, meglio conosciuto come Oscar.

Lo scorso 25 gennaio sono state annunciate le nomination all’ambitissimo premio.

Tra i candidati per il Miglior Film che sarà premiato il 12 marzo 2023, quello al momento più discusso è sicuramente Everything Everywhere All At Once con la protagonista Michelle Yeoh, la regina delle arti marziali che agli ultimi Golden Globe ha spopolato e con cui credo nessuno vorrebbe mai litigare. Fun fact: Rotten Tomatoes di recente l’ha classificata come “la più grande eroina d’azione di tutti i tempi”, l’unica persona che in “The Witcher: Blood Origin” ci ha distratto dal lutto della notizia del licenziamento di Henry Cavill dallo show di Geralt di Rivia, distratto, non curato… fa ancora male, cambiamo argomento!

Top Gun: Maverick: Tom Cruise torna nei panni del pilota che ha fatto impazzire gli anni ‘80. La pellicola è il sequel del film dell’86 diretto da Tony Scott, sponsorizzato dal Dipartimento della Difesa Statunitense, creato in collaborazione con la scuola di combattimento per piloti della marina militare statunitense, insomma, l’americanata autoreferenziale su quanto siano belle le forze dell’ordine della madre patria di cui non se ne sente mai il bisogno.

Fun fact: il divo ha confessato che la celebre scena finale della pellicola che l’ha consacrato sex symbol hollywoodiano, quella in cui sorride sfacciato e pianta un limone a Kelly McGillis, è stata un’improvvisazione, perché non ricordava la battuta. Questo funziona se sei Tom Cruise, non provateci agli esami. Non funziona. Nemmeno se credete in Scientology.

Passiamo a un film di fuoco, letteralmente, perché la pellicola di Edward Berger Niente di nuovo sul fronte occidentale è tratta dall’omonimo romanzo  di Erich Maria Remarque, pubblicato su un giornale tedesco nel 1928 per denunciare e raccontare i traumi psicologici e mentali dei tedeschi arruolati durante la Prima Guerra Mondiale. Ebbene, tale romanzo fu bandito, dato alle fiamme, in Germania dai nazisti, in Italia dai fascisti.

Fun fact: Un anno dopo l’uscita del romanzo, ci fu la prima edizione assoluta dei premi Oscar. La cerimonia del 1929 durò 4 minuti e 22 secondi senza copertura mediatica. Purtroppo non possiamo dire lo stesso dei nazisti e dei fascisti.

Elvis, otto candidature agli oscar per la biopic diretta da Baz Luhrmann che vede Austin Butler protagonista nel ruolo del King. L’attore è diventato virale per essersi dimenticato di uscire dal ruolo, come testimonia il suo discorso ai Golden Globes in cui parla con l’accento e il tono di voce di Presley.

Fun fact: fan numero uno del film è Lisa Marie Presley, figlia della star, che ha di recente twittato “se non vince l’oscar per questo film, mi mangio un piede, haha.” E chi pensa che abbia scritto la parola “piede” apposta per l’algoritmo, ha ragione.

Spielberg, signori. The Fabelmans è il film in cui il regista racconta la sua famiglia, la sua adolescenza e i suoi primi anni di lavoro. Il regista racconta che non ha avuto il coraggio di mettere in scena le disfunzionalità della sua famiglia finché i suoi erano in vita. Facile così. Prova a dire a tua madre al pranzo di Natale che fumi da quando avevi 14 anni.

Fun Fact: Pessimo incasso, nonostante la super approvazione della critica, il pubblico vuole i dinosauri, gli alieni e Indiana Jones. Siamo tutti disfunzionali, almeno tu, Steven, facci sognare.

Tàr è la storia di Lydia Tàr, personaggio immaginario, una direttrice d’orchestra che sfrutta il suo potere per avere favori sessuali, una donna che si fa chiamare al maschile, prepotente, predominante, aggressiva, che non si preoccupa di chi ha davanti e che accende i riflettori sull’abuso dal punto di vista femminile. La regia è di Todd Field.

Fun fact: l’attrice Cate Blanchett è stata accusata di aver accettato una parte antifemminista e dannosa per le donne. Questo è il problema del fare di ogni racconto una bandiera. Si può dire “che palle”?

Andiamo in Svezia, con il Triangle of Sadness di Ruben Östlund, Palma d’Oro al Miglior Film al Festival di Cannes, una commedia black di ricchi su una nave, praticamente un Titanic grottesco, ma con Woody Harrelson che rende sempre il mondo un posto un po’ più bello.

Fun fact: il triangolo della tristezza che dà il nome al film è il termine che si usa in chirurgia plastica per indicare le rughe tra gli occhi, sulla fronte. Quelle che verranno valorizzate sul vostro volto non appena vedrete la quantità di vomito presente in questa pellicola.

Avatar: la via dell’acqua. Sequel di Avatar, del 2009, il colossal di James Cameron ci ha messo un attimo, ma è arrivato al secondo capitolo, record d’incassi, poi superato da Avengers:Endgame e poi risalito al trionfo, il film continua a raccontare del pianeta Pandora, dove l’atmosfera è tossica per la sopravvivenza degli umani, che per riuscire a stare lì comunque hanno inventato degli Avatar che vivono al posto loro, praticamente Torino.

Fun Fact: Il primo dura due ore e quaranta. Il secondo dura tre ore e un quarto. A questo seguiranno altri tre film. James, ti prego, abbiamo la soglia dell’attenzione di Andreotti dalla Perego, abbi pietà di noi.

Gli Spiriti dell’Isola, boh, è surreale. Martin Mc Donagh porta in scena la storia di due amici, Padriac e Colm, che hanno lo stesso guizzo vitale di Kripstak e Petrektek, ma uno dei due si stanca, dice che vuole andare a suonare il violino e comporre, dice che l’altro lo annoia e chiude l’amicizia. Così, de botto. Senza senso. Praticamente quello che faccio io ad ogni partita della Champions a cui mi fanno assistere i miei amici. Solo che la situazione degenera, Colm, l’annoiato, dice a Padriac “ogni volta che mi parli mi taglio un dito” (è un po’ più elaborato, ma più o meno fa così, ndr), not a good idea per un violinista, ecco, e finiscono a rovinarsi la vita a vicenda.

Fun fact: i due protagonisti, Colin Farrel e Brendan Gleeson, tornano a recitare insieme dopo In Bruges, dello stesso regista, grande trionfo e un sacco di candidature, perché alla fine una banale discussione che va in vacca e finisce in un bagno di sangue piace proprio a tutti, ci fa sentire vivi, come ai tempi di Antonella Elia e Aida Yéspica all’Isola dei Famosi. Una cosa del genere.

Last but not least, Women Talking l’unica pellicola candidata a Miglior Film diretta da una donna, Sarah Polley, adattamento cinematografico del romanzo di Miriam Toews sui fatti reali avvenuti nella colonia mennonita in Bolivia, dove le donne venivano narcotizzate, stuprate, picchiate e al loro risveglio veniva detto loro di essersi immaginate tutto. Fanatismo e fede coesistono in vittime e carnefici, un film rabbioso e necessario.

Fun Fact: femmine per le femmine con le femmine, questa storia è la prova che la forza del gruppo è fondamentale per proteggersi da un sistema abusante e che in questo rientra anche l’andare in bagno insieme. Dai, seriamente, se vi aspettate davvero un fun fact su questa pellicola siete  ingestibili.

Ora non ci resta che aspettare i momenti imbarazzanti che renderanno unica questa edizione, sapendo che ormai, tra schiaffi di mariti possessivi, cadute, pizze in platea, baci, selfie record, premiazioni sbagliate, attivisti nudi e politica, le aspettative sono altissime.

Celebrare il centenario di Vittorio Gassman attraverso una grande mostra, la prima a lui dedicata, significa rendere omaggio a un protagonista dello spettacolo e della cultura, un gigante del Novecento profondamente radicato nell’immaginario collettivo, uno dei personaggi italiani più amati dal pubblico.

Campione di talento, versatilità, perfezionismo maniacale e carisma, Vittorio Gassman è stato attore, regista, scrittore, maestro, innovatore dotato di una cultura smisurata, eccellente tanto sul versante drammatico quanto nella commedia. La sua è stata una carriera eclettica in grado di spaziare tra cinema, teatro, tv, poesia. Rendendo possibile il miracolo di cui sono capaci solo i grandi: coniugare la cultura alta con lo spettacolo popolare.

Attraverso materiali privati inediti e testimonianze professionali, immagini e materiali audiovisivi di prima mano, curiosità e oggetti personali, la mostra ripercorre l’intera parabola umana e artistica di Vittorio Gassman che per tutta la vita inseguì l’eccellenza in tutti i campi, compreso lo sport.

E racconta nei dettagli la sua carriera, la famiglia, le donne, i figli, le utopie, i premi, i trionfi e le criticità, mai nascoste ma vissute dall’attore come tappe, sia pure dolorose, del proprio percorso.

Gassman era nato a Genova, a Struppa. E a Genova è stato protagonista di spettacoli memorabili come quello in occasione delle Colombiadi nel 1992, Ulisse e la balena bianca, le cui scene furono curate da un altro illustre genovese, Renzo Piano.

La mostra è quindi ricca di foto, oggetti, costumi, copioni, video, filmati, bozzetti e documenti: tutti materiali raccolti per raccontare, passo dopo passo, l’attore, il regista, lo scrittore, il maestro. L’esposizione è arricchita da numerosi prestiti istituzionali e privati che provengono, tra gli altri, dall’Archivio Storico Luce, dal Centro Sperimentale di Cinematografia, dall’Accademia Silvio D’Amico e dall’Archivio Centrale dello Stato.