Entrare nella mostra WE FELT A STAR DYING significa sospendere le modalità percettive tradizionali per adottare coordinate spaziali scomode e sconosciute. Questo è ciò che ci richiede Laure Prouvost, l’artista francese che, in dialogo con il filosofo Tobias Rees e lo scienziato Hartmut Neven, ha concepito la mostra-installazione immersiva all’interno del Binario 1 di OGR Cult. Un ecosistema composto da strutture fluttuanti, luci e suoni che suggerisce una visione della realtà fondata sulla logica quantistica. Un viaggio tra l’ironico, l’inquietante e il poetico che sovverte i canoni espositivi a cui siamo abituati.

Il percorso espositivo si articola attorno a un’opera principale: una struttura tentacolare che si muove per tutto lo spazio come un organismo vivente.

Al suo interno, la video-installazione We Felt a Star Dying, culmine della mostra, sottolinea come la logica quantistica sia alla base di tutta la materia. L’esposizione, commissionata da LAS Art Foundation e co-commissionata da OGR Torino, era già stata presentata presso Kraftwerk Berlin a febbraio 2025 per poi giungere in Italia.

Un’anticamera all’insegna delle ultime frontiere della tecnologia quella di Prouvost, che prelude ad un’altra mostra: ELECTRIC DREAMS. Art & Technology Before the Internet, in collaborazione con la Tate Modern. Cinque sezioni che analizzano come le scoperte scientifiche degli anni Cinquanta e Sessanta sono diventate la base teorica di pratiche artistiche d’avanguardia. In mostra figurano opere di artisti cardine dell’arte cinetica e della media art come Nam June Paik, Liliane Lijn, gli esponenti del gruppo ZERO e del movimento Arte Programmata. Una progressione di opere che riflette su come le scoperte scientifiche abbiano costantemente generato nuovi strumenti e possibilità estetiche per le arti visive.

Dai Cloud Canyons di David Medalla, passando per l’Ambiente Cromointerferente di Carlos Cruz-Diez, la mostra ci accompagna attraverso le rivoluzioni del tempo, facendoci riflettere sul presente.

Se già prima dell’era digitale la tecnologia ha sempre costituito un terreno di sperimentazione multidisciplinare, resta da chiederci quali siano oggi le nuove possibili frontiere e se proprio l’arte possa suggerirci spazi inediti.

Ad ogni scoperta scientifica e tecnologica corrisponde una risposta culturale, questo il presupposto da cui muove questo ricco percorso espositivo, visitabile fino al 10 maggio 2026, che riflette in maniera continuativa sul costante rapporto tra arte e tecnologia e sulle sue possibilità inaspettate. Un progetto che si inserisce nel più ampio obiettivo di sperimentazione e ricerca promosso da OGR, dove l’innovazione investe la tecnologia, attraverso le iniziative di OGR Tech, e la cucina – con le proposte di Snodo tra ristorante, bar e bistrot.

Qualche mese fa, una vetrina affacciata su Piazza Morbegno a NoLo si è trasformata in un ecosistema di creature fantastiche, glitch e animazioni digitali. Presso TXT Studio si è svolto An Ecology of Beasts, il primo evento di Common Index. Un collettivo nato dalla collaborazione di quattro designer – Carlotta Bacchini, Dorsa Rafiee, Pietro Forino e Simone Restifo Pilato – con l’obiettivo di creare un dispositivo di ricerca, sperimentazione e coinvolgimento attorno al design digitale.

Il primo atto si è concretizzato in una ricerca sul bestiario medievale, «un modo per rappresentare la diversità e la varietà di una comunità nascente». Nel corso di un weekend, una mostra temporanea e un programma di attività hanno restituito i lavori digitali di Common Index, messi in dialogo con quelli di artisti e designer selezionati tramite open call. Su un’installazione di schermi curata da Sole° Studio, da un lato si alternavano visual di creature fantastiche, mentre dall’altro un paesaggio generativo mutava con i movimenti delle persone nella stanza, creando un ecosistema digitale ideale.

Un evento di lancio che apre la strada ai prossimi progetti. Common Index, racconta Dorsa Rafiee, nasce in risposta alla necessità di sperimentare liberamente, senza vincoli stilistici, accademici o lavorativi. E allo stesso tempo per creare uno spazio di incontro, coinvolgimento e dialogo tra arte e nuove tecnologie. Di fronte all’esaltazione della produttività e del fare individuale, Common Index rivendica uno spazio di creatività libera e partecipata.

Per rimanere aggiornati su eventi futuri, seguite Common Index su Instagram @common.index.

Via San Tommaso, alle sette di sera, sta sotto una coperta d’ombra. Solo uno spicchio di luce gialla rimbalza sugli edifici, riscalda i sanpietrini e le bandiere: viene dall’incrocio con Via Micca, da un’edicola che sembra un’installazione o un’apparizione luminosa.

É Ridicola, solo di nome: di fatto è un micro baluardo di arte indipendente, magazine e riviste, serigrafie e esposizioni, un contenitore di progetti pop incastrato nel centro storico.

Nata a giugno di quest’anno, Ridicola è un’idea di Pigmenti, un’associazione culturale che tra le altre cose si occupa di street art e residenze artistiche, e che mi sembra lavorare per tenere insieme persone, città e arte.

Ridicola ne è testimone: quando è aperta offre una selezione curata di giornali e magazine, di stampe e opere d’arte, ma anche a serranda abbassata non chiude. Il retro del chiosco infatti è una vetrina aperta a ogni ora del giorno, una galleria d’arte che espone opere di artisti locali e internazionali.

A ogni nuova mostra Ridicola allarga le braccia per l’inaugurazione: il vicolo si riempie di persone, c’è il dj set e un fusto di birra sul marciapiede, gente che chiacchiera e circonda la piccola edicola restituendo l’abbraccio, da una parte sbirciando le riviste, dall’altra osservando la mostra.

Chi si è inventato Ridicola ha fatto una magia: rendere l’arte una cosa di tutti, da guardare, frequentare e acquistare con la stessa gioia e leggerezza con cui si compravano i Paperinik a otto anni, e contemporaneamente elevarla a rifugio aperto a tutte le ore, piccolo faro per chi vagabonda nel buio di Via San Tommaso in cerca di un po’ di bellezza.

Margherita Paglionico

Nicus Lucà al Pastis tra memoria, materia, forma, illusione e contemporaneità

È in questa mostra una selezione essenziale dei famosi libri scolpiti in pietre fossili. Un estratto da quella “biblioteca” ideale che Nicus aveva realizzato anni addietro. Il catalogo di questa collana editoriale contiene libri che hanno titoli famosi, ma sono tutti di Nicus Lucà perchè lui si è sostituito a ciascun autore/autrice. È un archivio di volumi di pietra che nel tempo si è disperso in altre mostre, in altre biblioteche, su altri scaffali, mensole, piedistalli, in altri luoghi. Altri, come lo sono questi bei tomi che sembrano, che sono e non sono, che sfuggono all’uso quotidiano. Sono libri che diventano spazi simbolici, rappresentazioni radicali di altri libri che non si devono aprire. Solidi, pesanti e interessati, perchè la cultura vera é solida, pesante e interessata, non interessante. Luoghi di sorpresa e di curiosità squilibrata che permettono all’essere umano di astrarsi dal sé e dal più ostinato dei suoi destini: la produzione del senso. Se per Umberto Eco il libro è una tecnologia perfetta, resistente all’oblio, nei lavori di Nicus Lucà il libro si fa ancora altro, persino più antico del linguaggio: diventa un reperto in cui la memoria ha battuto il tempo. Nicus ha salvato un corpus di titoli scelti con cura, non per dovere o per nostalgia, ma per funzione.  Vuole ricordarci che in ogni epoca è nascosto un capolavoro, che la bellezza nasce anche nella selezione, nel collezionismo, nel mettere insieme oggetti che raccontano storie invisibili. Per questo ne ha fatto degli strumenti di scavo culturale, contenitori muti e mutati, incisi nella materia come se la parola si fosse materializzata in tempo pesabile, si fosse fossilizzata. Soprattutto ora, in quest’epoca digitale che annuncia minacciosamente la morte del libro, queste opere appaiono premonitrici: il libro fisico, l’oggetto che abbiamo davanti  ha una durezza storica, una persistenza che nessuna tecnologia potrà mai sostituire completamente. Non viviamo alla fine del libro, ci dice Nicus, ma in una stagione in cui il libro, quello che si sceglie per consiglio, per la sua veste editoriale, che si tocca, si annusa, si conserva, resiste imperterrito. Sottolinea, se mai ce ne fosse bisogno, che l’ipotesi della “morte del libro” è un’ipotesi impossibile, una minaccia inattuale. Il libro ha una resistenza formidabile: è resistenza. Incisi nella materia fossile, i libri di Nicus diventano la metafora estrema della memoria che permane nel tempo, che non si cancella, anche quando il contenuto é sparito. Accanto a questi piccoli monumenti si trova una riproduzione in scala monumentale del profumatore per auto “Arbre Magique”, l’alberello profumato che si appende allo specchietto retrovisore. Lucà ne propone una versione nera, al profumo di Coltan, acronimo di columbo-tantalite, un minerale nero alla base dell’elettronica che ci circonda: smartphone, computer, auto. Una sostanza preziosa e invisibile, estratta quasi sempre in condizioni brutali, all’origine di un circuito globale di guerre, sfruttamento e lavoro minorile. Il profumo, qui, non profuma: copre, nasconde, denuncia. È l’odore delle miniere illegali, delle mani che scavano, delle terre saccheggiate. Una fragranza che non addolcisce, ma accusa. La mostra si chiude con un’opera a terra: un grande zerbino con la scritta “TUTTO PASSA”. Parafrasando Eraclito, qui l’artista ha usato un oggetto domestico, funzionale, che si calpesta senza pensarci. Eppure, è proprio lì che il gesto attiva il senso: chi passa lascia qualcosa, chi legge lo fa con i piedi, chi guarda è già oltre, altrove. È una soglia, un avvertimento, un’invito, forse una liberazione. Non marsalarti diceva Alighiero, ché nulla resta immutato, la realtà (cos’è poi in fondo la realtà?) é in costante divenire: tutto passa (nel bene o nel male avrebbe detto Voltaire). Come spesso accade nelle opere di Nicus Lucà, è lo spettatore a completare l’opera, trasformandola in quel che più gli pare; in pensiero, presenza, azione, visione. Nicus Lucà unisce storia, materia, forma, contenuto e attualità con la poetica di chi crede che l’arte sia relazione, contesto, memoria, oblio e alla fine dei conti un atto di coscienza critica.

POP CLUB

NICUS LUCÀ

Artista visivo e musicista, inizia la sua ricerca negli anni ’80, attraversando con inclinazione radicale e sperimentale linguaggi diversi: scultura, installazione, pittura, suono. Il suo approccio è trasversale, materico, profondamente legato al gesto e ai meccanismi che muovono la mente. Lavora per campionamento, stratificazione, sottrazione, costruendo opere che spiegano accadendo: oggetti-caricati, simboli-innescati, forme e materia che abitano il tempo. Convinto che l’arte acquisti senso solo nella contaminazione tra pratiche, nel 2000 fonda il Pop Club, una piattaforma aperta e indipendente, dove si incontrano artisti, artigiani, fotografi, musicisti, pensatori, performer e compagnia cantante. La sua ricerca affonda nelle materie: pietra, metallo, carta, suono e quelle che servono, muovendosi tra archeologia personale e memoria collettiva, creando connessioni inattese tra cultura pop, storia e presente.Ha esposto in Italia e all’estero, in spazi istituzionali e indipendenti, spesso dando vita a progetti site-specific o partecipativi. Ha collaborato con numerosi artisti e professionisti di discipline diverse, sempre in dialogo tra forma e contenuto. Ogni sua opera è una gesto per mettere in crisi le convinzioni, un invito al dubbio, alla riflessione, alla relazione, all’incontro, stimoli per completare la narrazione scolastica, quotidiana e generare nuove visioni.

Nicus Lucà, Tutto Passa

Nicus Lucà, Abre Magique

Usciva nel 2000, come film d’esordio del regista premio Oscar Alejandro González Iñárritu, segnando l’inizio del nuovo cinema messicano. Ad oggi, dopo 25 anni, Amores Perros mantiene la sua potenza originaria, capace di raccontare in modo brutale e poetico sentimenti universali come disperazione e malinconia.

In occasione dell’anniversario, Fondazione Prada a Milano presenta dal 18 settembre Sueño Perro, un’installazione multisensoriale ideata dal regista, che raccoglie i girati inediti del film tagliati in fase di montaggio.

Un incidente stradale è l’evento scatenante da cui si snodano i tre episodi del film. Tre capitoli della stessa storia, che si intrecciano in una Città del Messico asfissiante e cupa. A legarli, la narrazione della violenza, della perdita di speranza e, come suggerisce il titolo, degli amori-cani. In ogni episodio, che seppur in modo crudele, parla d’amore, compaiono come figure simboliche i cani, personaggi ingenui e abbandonati al caso, che ribadiscono ogni volta la presenza della morte, altra grande protagonista del film.

Fondazione Prada e Iñárritu celebrano l’anniversario del film con una terza importante collaborazione. Il regista, infatti, ha già collaborato con la fondazione, che nel 2017 ha ospitato l’esperienza di realtà virtuale pluripremiata CARNE y ARENA.

Sueño Perro, il titolo della nuova installazione, riscoprirà l’impatto poetico di alcune crude sequenze che erano state tagliate. Come afferma Iñárritu «non un omaggio, ma una resurrezione: un invito a percepire ciò che non è mai stato».

Ritorna “Germinale – Monferrato art Fest”, la rassegna annuale di Arte Contemporanea itinerante e diffusa, la cui seconda edizione si svolgerà tra le colline del Basso Monferrato dall’11 settembre al 12 ottobre 2025. L’iniziativa, nata a Rinco di Montiglio dalla Quasi Fondazione Carlo Gloria e curata da Francesca Canfora, quest’anno s’intitola “Alimurgia. Nutrire lo sguardo e coltivare il pensiero”. 

L’ispirazione arriva dal termine coniato nel 1700 dal medico e naturalista fiorentino Giovanni Targioni Tozzetti con cui si indica la pratica di ricorrere a piante spontanee, selvatiche e commestibile come risorsa alimentare in tempi difficili, come quelli attuali. 

Si tratta di un invito esplicito a rallentare per esplorare il territorio e a considerare l’arte come forma di nutrimento lento, che germina nel tempo, come cura alle conseguenze nefaste della nostra epoca. Infatti, Germinale reca nel suo nome l’idea di rinascita, di germogli e di

nuove foglie, metafora più estesa di una rifioritura culturale dei luoghi attraverso i vari linguaggi espressivi dell’arte contemporanea.

25 gli artisti coinvolti tramite invito diretto ad artisti affermati e mid-career o tramite bandi, attivi tra maggio e giugno, per residenze d’arte riservate a cinque artisti under 35. 

Il palcoscenico di Germinale è appunto un vasto bacino che ha come sede principale per diramare le iniziative nel territorio, l’edificio La Mercantile di Castagnole Monferrato mentre gli interventi artistici  si svilupperanno tra l’11 settembre e il 12 ottobre in venti sedi espositive di diciannove comuni del Basso Monferrato quli Alfiano Natta (AL), Altavilla Monferrato (AL), Calliano Monferrato (AT), Castagnole Monferrato (AT), Castell’Alfero (AT), Castelnuovo Don Bosco (AT), Cerreto d’Asti (AT), Cocconato (AT), Cunico (AT), Frinco (AT), Moncalvo (AT), Montemagno Monferrato (AT), Montiglio Monferrato (AT), Murisengo (AL), Ottiglio (AL), Piovà Massaia (AT), Portacomaro (AT), Vignale Monferrato (AL) e Villadeati (AL).

In questa occasione non vi parlerò di un bar in cui artisti e figure del mondo della cultura si incontrano per sbevazzare, condividere idee, flirtare e rilassarsi dalle fatiche di una carriera stressante. No, in questo articolo vi parlerò di un incrocio, forse uno degli incroci più importanti d’Italia. E’ a Milano, in quel punto preciso in cui Viale Abruzzi incontra Via Plinio. Sono due grandi e belle strade, ma la loro peculiarità è data dall’avere ai due angoli contrapposti due luoghi cardine della socialità artistica milanese (e quindi un po’ anche italiana…): ovvero il Bar Basso e il Caffè degli Artisti.

Iniziamo dal Basso anche solo per una questione di anzianità: è “il bar milanese” per eccellenza, ritrovo dei vari mondi che rendono grande Milano, in primis del design, ma anche del mondo dell’arte. Lo frequento da sempre ed è bellissimo, soprattutto durante il pomeriggio e nei giorni feriali. Da evitare assolutamente durante il Salone del Mobile quando è troppo affollato da stranieri e non servono nemmeno il leggendario bicchierone gigante. Ricordo con grande affetto una bellissima festa che abbiamo fatto proprio al Basso dopo una mostra da me curata presso la vicina Galleria Raffaella Cortese nel 2010.

Il dirimpettaio Caffè negli artisti nasce quasi come una “Secessione” del Basso ma non vi è concorrenza. Alcune sere, soprattutto post Salone o post Miart, vivono in maniera simbiotica e la folla attraversa quasi la strada senza soluzione di continuità. Probabilmente tutto è nato da frequentatori più giovani che hanno iniziato a frequentare il Caffè degli Artisti per vivere della contigua comunità del Basso ma risparmiando qualche soldino. Se non sbaglio, le prime volte che ne ho sentito parlare è stato durante alcuni eventi del duo artistico Invernomuto. Ma anche Maurizio Cattelan vi ha organizzato alcuni progetti di cui rimane traccia nel bar. Fanno un Margarita al Mezcal buonissimo, ma non lo fanno a tutti, dovete stare simpatici al boss del bancone. Se siete a Milano e volete immergervi nella scena artistica venite in questo incrocio e non sbaglierete.

Nel 2009 Luca Beatrice lo chiama a partecipare alla 53ª Biennale di Venezia, presentando un video animato composto da seicento disegni affrescati, accompagnato dalla musica di Paolo Conte. Nel 2011 il suo video Kizuna, esposto al Pola Museum di Tokyo con colonna sonora composta da Ryuichi Sakamoto, diventa un progetto benefico per la ricostruzione del Giappone dopo il terremoto.

Nel 2012 l’opera “Ancora una volta” viene inserita nelle Luci d’Artista di Torino, lo stesso soggetto sarà poi protagonista nello stesso anno di un’opera permanente di Land Art per la prestigiosa Nirox Foundation di Johannesburg. Nel 2018 lavora al cortometraggio animato La Giostra di Nina, coprodotto da SkyArte con la musica di Ludovico Einaudi.

Sempre nel 2018, la sua installazione monumentale “La Grande Giostra” è esposta ad Alba, nella Chiesa di San Domenico, al MAXXI di Roma e alla Reggia di Venaria.

Nel 2022 viene inaugurata la sua opera monumentale Alba, una scultura in acciaio inox bronzato alta oltre 12 metri, donata dalla famiglia Ferrero alla città e posizionata nella centrale Piazza Michele Ferrero.

In questi giorni e fino al 4 luglio le sue opere possono essere ammirate alla mostra “More Than Kids” a cura di Nicolas Ballario e Arturo Galansino alla Fondazione Ferrero di Alba in cui sarà possibile visionare oltre alle opere che hanno reso famoso questo grande artista internazionale, ma profondamente legato al territorio, alcuni lavori preparatori che rimandano alla prosecuzione della mostra che verrà allestita a Palazzo Reale a Milano.

“Nel percorso espositivo il pubblico è coinvolto in una sorta di esperienza condivisa, in cui l’opera diventano spazio aperto in cui la riflessione si intreccia con il vissuto di ciascuno. Ecco perché, anche se raffigura per lo più’ bambini, l’arte di Valerio Berruti non è un gioco da ragazzi.”

(Arturo Galansino -More than kids-Fondazione Ferrero)

Orari della mostra:

Mercoledì, giovedì e venerdì: 15:00 – 19:00

Sabato, domenica e festivi: 10:00 – 19:00

Dove: Fondazione Ferrero, Strada di Mezzo 44, Alba (CN)

Ingresso: gratuito

Antonino Minniti

Il MAO presenta la nuova edizione di Evolving Soundscapes, il programma musicale e performativo a cura di Chiara Lee e freddie Murphy, che accompagna ed espande la mostra Haori. Gli abiti maschili del primo Novecento narrano il Giappone (12 aprile – 7 settembre 2025). Partendo da elementi che fanno riferimento a un immaginario comune, legato a una visione tradizionale e romantica del Giappone, il public program esplora una contemporaneità altra, seguendo un percorso originale alla scoperta delle sperimentazioni più eterogenee.

La rassegna prende il via l’11 aprile alle 18:30 in occasione dell’inaugurazione della mostra Haori con l’esibizione della percussionista giapponese Tsubasa Hori. La sua musica oscilla tra taiko tradizionale e musica sperimentale contemporanea.

Secondo appuntamento il 9 maggio alle ore 18:30 con MIZU, performer che costruisce paesaggi sonori espansivi attraverso il suo inconfondibile approccio al violoncello. Il suo stile compositivo stratiforme, che combina suoni registrati del proprio strumento con manipolazioni elettroniche e produzione sperimentale, esplora la propria identità di donna trans e la propria identità musicale.

Sul palco, il lavoro di MIZU prende nuova vita, interrogando e sfidando i confini tra concerto, teatro e arte performativa attraverso messe in scena elettrizzanti e catartiche.

Ultimo appuntamento 1 luglio sempre alle 18:30 con FUJI|||||||||||TA, sound artist di base in Giappone. Nella sua pratica si interfaccia con fenomeni naturali come aria e suoni minimali in risposta al suo interesse nel voler dar voce a rumori inesplorati, ispirandosi alla musica classica giapponese (gagaku).

La partecipazione è inclusa nel biglietto di ingresso alla mostra.